“Por amor al Arte y al Dinero. Hijo de granjeros, Henry Clay Frick mostró una visión excepcional para el dinero y el arte. Llegó a multimillonario con 30 años y más de mil hornos de coque, y montó la Frick Collection, la colección privada más importante de EE UU y uno de los mejores museos de Nueva York, que cumple 75 años. El 11 de diciembre de 1935, 700 representantes de la mejor sociedad neoyorquina participaban en la fiesta de apertura de la Frick Collection. Allí, entre lienzos de Vermeer y Velázquez, de Ingres y Veronese, paneles de Fragonard y esculturas de Clodion o Sansovino, se dieron cita los Astor, los Rockefeller, los Vanderbilt, los Guggenheim, los Carnegie, los Mellon…

El País“.

“El arte de un violador pederasta. Viena muestra obra del controvertido artista del escándalo condenado por pederastia y violador Otto Muehl. El prestigioso museo Leopold de Viena muestra una exposición con el producto, 240 obras que algunos dudan de que sean realmente arte, del controvertido artista del escándalo Otto Muehl, quien estuvo 6 años y medio en prisión por pederasta y violador, y fue cofundador y principal representante del accionismo vienés, en el que la vida y la obra de los autores se mezclan como las substancias con las que se realizan, sangre, color, dolor y pintura. Todas son producto de la vida y de la creación de Muehl, quien salió de la cárcel medio ciego y enfermo de Parkinson, y cuya muestra se presenta con ocasión de su 85 cumpleaños, el pasado 16 de junio.

El País“.

Cuando la muerte era fotografiada, en el siglo XIX, como si se tratase de bodas o comuniones… Esta vieja costumbre está empezando a recordarse en cierta filmografía actual de terror.

“Retratos para la eternidad. Vestidos de gala, con sus seres u objetos queridos, los recién finados eran retratados con mimo en el siglo XIX. La fotografía mortuoria era más común que la de bodas o vacaciones. Con el siglo XX bajó la mortalidad infantil, llegaron las guerras, la muerte devino tabú y estos retratos resultan hoy, al menos, inquietantes. Salvo para quienes los coleccionan. El pariente llegaría cansado. Habría cabalgado durante horas hasta la casa del fotógrafo. “Traigo malas noticias”. Pactarían un precio, casi el doble del de un retrato normal, y viajarían de vuelta a casa del muerto. El fotógrafo planificaría la escena. “Me colocan al difunto más cerca de la ventana que aquí no hay luz”. La familia ya lo habría vestido con sus mejores galas. El artista pondría a los parientes alrededor del féretro o les haría sacar el cadáver de la caja. “¿Cuál era su sillón favorito?”.

El País“.

“Domenikos Theotokopoulos, que así se llamaba El Greco para desesperación de generaciones de estudiantes, fue redescubierto a principios de 1900 -tres siglos después de su muerte en 1614- y convertido en un mito de la España triste que acababa de perder las colonias. De su obra apenas se resaltó lo oscuro, lo tenebroso, lo místico de la católica alma castellana. De ahí que la comisaria Ana Carmen Lavín y el diseñador Óscar Mariné se hayan confabulado para sacarle los colores a El Greco, y qué mejor lugar que México. La muestra que se acaba de inaugurar en el museo del Palacio de Bellas Artes del Distrito Federal juega con la iluminación para mostrar a un artista que nada tiene que ver con una etiqueta tanto tiempo soportada.

El País“.

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“El arte de las ‘madonnas suicidas’ provoca el escándalo en Israel. Una exposición con representaciones de cuadros de vírgenes con la cara de terroristas palestinas es clausurada. Una exposición con cuadros de la Madonna con el niño Jesús en su regazo ha sido retirada en Tel Aviv (Israel) unas horas antes de su inauguración. La razón: los rostros de las Vírgenes aparecen suplantados por los de varias terroristas suicidas palestinas, entre ellas, las de la primera mujer kamikaze de la segunda intifada, Wafa Idris, armada con una aureola y una diadema del movimiento Fatah. Idris acabó con la vida de un israelí de 81 años e hirió a más de 100 personas en Jerusalén oeste en 2002. La indignación por estas variaciones del tema piadoso ha acabado con la muestra, que ha sido retirada por la Asociación de Periodistas de Israel, sede de la misma.

El País / AGENCIAS“.

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“El director del Reina Sofía de Madrid reflexiona sobre el papel de los centros de arte y propone un modelo con prácticas estéticas y políticas que integren otras culturas y modos de hacer. La nuestra es una época de crisis que, según Immanuel Wallerstein, es sistémica. Por ello es importante que los museos elaboren paradigmas históricos que nos ayuden a entender mejor el mundo en que vivimos. Necesitamos comprender el presente con relación al pasado y pensar las posibilidades que el futuro nos depara. El museo tiene la obligación de apuntar a ciertos caminos y no a otros. Y esa elección nunca puede ser técnica ni dictada por una racionalidad formal, sino que entraña lo que Max Weber denominó racionalidad substantiva. Cuando el “todo vale” es la norma y la confusión de ideas es general, esta elección o serie de elecciones se perciben a veces como rígidas, elitistas o dogmáticas. Cuántas veces hemos oído las voces apesadumbradas de aquellos que piden una especie de eclecticismo de nuevo cuño como forma de salvaguardar una pretendida democratización de la cultura. Sin embargo, la racionalidad substantiva es todo lo contrario, es el ejercicio de reconciliar lo que aprendemos de la ciencia y la moralidad y denota siempre una elección ética. La mayoría de la humanidad no goza de nuestros “avances” técnicos y culturales, sino que constituye el Sur geopolítico del que habla Enrique Dussel y representa la otra cara de la modernidad. Ese Sur no está situado en un periodo pre o posmoderno, el tiempo anterior a una modernidad que se realizará en cuanto se apliquen los mismos criterios que han servido para Europa y Estados Unidos. No se trata del estadio menos evolucionado de un proceso único, porque estamos en un mundo en que el centro presupone la periferia y viceversa; y el desarrollo del primero está totalmente relacionado con el de la segunda. El problema reside en que esta otra modernidad es subalterna, no tiene voz. Ha de acatar nuestras reglas, ya que se considera que éstas son generales.

El País“.

Emil Nolde figura en la nómina de los artistas malditos.

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“Emil Nolde era un tipo imposible. De entrada no se llamaba Nolde sino Hensen, pero nació -en 1867- en un pueblecito cuyo nombre adoptó como apellido. Era alemán pero se creía danés. Durante muchísimos años se consideró “el más perseguido y menospreciado” de los pintores de su generación pero, cosas de la vida, a partir de 1920 fueron muchos los museos alemanes que compraron su obra. Le acusaron de ser racista, de nazi. También de bolchevique, de meapilas y de anticlerical. Hasta de degenerado y de ingenuo. En 1934 se afilió al partido nazi, pero en 1938, cuando se organizó en Múnich la célebre exposición dedicada al Entartete kunst (Arte degenerado), 48 pinturas de Nolde figuraban entre las acusadas. Luego quemaron unas cuantas y otras las vendieron a coleccionistas estadounidenses. Goebbels le consideraba el mejor artista alemán vivo hasta que en 1941 le prohibió pintar. Él pasó los años de la guerra consagrado a fabricar pequeñas acuarelas clandestinas, que bautizó como “imágenes no pintadas”. Precisamente, el ministro Goebbels tenía en su despacho varias pinturas de Nolde pero, cuando Hitler las descubrió y las calificó de unmöglich (imposibles), las obras dejaron de decorar el lugar. Por una vez, Hitler tenía razón: Nolde era un pintor imposible.

El País“.

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“Nuevas noticias de Goya. Hallados tres dibujos del genio que se ‘perdieron’ tras una subasta en París en 1877. Las últimas noticias que se tenían de los tres dibujos de Goya -Bajar riñendo, Arrepentimiento y El aguacil Lampiños cosido dentro de un caballo muerto- remiten a abril de 1877, en un hotel de París. Allí se subastaron dentro de un lote de 150 dibujos pertenecientes a los famosos ocho (inicialmente) álbumes privados del artista que contenían 550 dibujos. Dos de los que han aparecido ahora se vendieron y uno se lo quedó un experto probablemente para revenderlo. A partir de ahí, nunca más se supo. Se creían perdidos. Hasta que hace menos de un mes, una llamada a Londres, a la casa de subastas Christie’s, los devuelve al mundo. Se sabe que forman parte del patrimonio de una familia suiza que, según el experto de la firma en dibujos antiguos Benjamin Peronnet -que ayer los trajo desde Londres a Madrid, en avión, en un pequeño maletín negro- no sabía que eran goyas. Un buen día, la familia decide inventariar el patrimonio. Uno de los familiares encontró algo particular en aquellos trazos. Pensó -y acertó- que eran del genio de Fuendetodos. Christie’s no tiene la menor duda sobre su autenticidad. Juliet Wilson-Bareau, gran experta mundial en Goya, les ha dado el visto bueno. Pero hay más datos que ahuyentan cualquier duda. Es muy sabido que dibujos del pintor llevan pegado por detrás un fino papel rosa. Y ahí está. Como también la cartulina azul, que hubiera hecho las veces del paspartú si hubieran estado enmarcados alguna vez. Porque parece que jamás lo estuvieron. En la subasta en París se exhibieron pegados en las paredes con pequeños clavos. Y ahí está la huella de los agujeros, en la cartulina azul.

El País“.

Esta arriesgada experiencia, narrada por Macu Vicente en su libro Centenares, se afronta mediante una serie de proyecciones simultáneas y diferentes, efectuadas dentro de una serie de celdillas de cristal, independientes, cada una de las cuales aporta su particular faceta temática desarrollada como parte de todo el conjunto o laberinto de opciones donde el espectador-colaborador puede, según sus criterios de valoración, complementar, rechazar, optar, preferir, alterar, combinar, suplir… El resultado es una lectura crítica del pasado que parte de un caso particular, de una mirada macrohistórica, para tratar de arrojar luz sobre las tensiones socioeconómicas y culturales que aquejaron a la España del primer tercio del siglo veinte. La muestra es por tanto el fruto de la investigación y la búsqueda de nuevas formas expresivas, un compromiso activo con el espectador y una lectura crítica del pasado de España. Rasgos que han convertido a Patino en una figura central de nuestro cine.

El Cultural“.

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“Buenos Aires ante la mirada de Horacio Coppola. La Fundación Telefónica reabre sus salas con una retrospectiva del fotógrafo argentino. Ha recorrido Buenos Aires fotografiando la evolución de la ciudad, el contraste entre lo antiguo y lo nuevo de la capital argentina. Lo hace de día y de noche, con primerísimos planos y panorámicas que muestran la arquitectura de la ciudad porteña, con abstracciones. A partir del 10 de abril y, y hasta el 25 de mayo, pueden verse en la Fundación Telefónica de Madrid los retratos que el artista argentino Horacio Coppola ha realizado de la capital argentina en una muestra que, además, sirve para inaugurar la reapertura de la Fundación Telefónica después de tres meses de reforma. Aunque todavía no está perfilada la nueva política expositiva, su presidente, Francisco Serrano, asegura que “el objetivo de las nuevas muestras será el de buscar la relación entre la innovación tecnológica y las nuevas formas de expresar el mundo”. En este sentido, la restrospectiva de Horacio Coppola es un ejemplo “inmejorable de esa relación entre modernidad y nueva expresión artística, porque ha sido un adelantado de la fotografía, un vanguardista que fotografió Buenos Aires de manera no costumbrista ni criolla”. Horacio Coppola fue un elemento importante en la vida de Jorge Luis Borges y autor de las dos instantáneas del barrio de Palermo incluídas en su libro Evaristo Carriego, ejemplar que puede verse en esta exposición, que saca a la luz ocho décadas de su producción fotográfica. Esta vision de los suburbios del Palermo viejo, de la ciudad contra lo moderno, es fruto de las caminatas del artista con Jorge Luis Borges por la ciudad. Las fotos que aparecen en el libro del autor del Aleph, que data de 1930, han pasado al olvido, nunca más se reprodujeron. La reyerta entre lo viejo y lo nuevo también se descubre en dos grandes momentos arquitectónicos de Buenos Aires: el ensanche de la famosa calle Corrientes y la construcción del emblemático Obelisco. Esta mezcla de lo antiguo con el lenguaje contemporáneo fascinó al fotógrafo y así puede verse en algunas de las piezas que se exhiben en la Fundación Telefónica.

El Cultural“.